Si existe algún lugar donde el fantasma tiene una verdadera razón de ser, ese es sin lugar a dudas el cine. Las películas son las verdaderas casas encantadas, lugares donde los muertos viven eternamente y donde las tragedias se repiten sin fin, siempre prestas a aparecer ante los ojos inocentes (impresionables, objeto de posesión) de nuevos espectadores. Este libro no sólo se aproxima al concepto de fantasma o espectro con metodología pragmáticamente romántica vinculada a las diversas formas culturales y sociales, sino que se sienta alrededor de una mesa, atenúa las luces y convoca a algunos de ellos. Quedan ustedes invitados a unirse a esta sesión sobrenatural y a adentrarse en una selección de los 50 títulos cinematográficos que consideramos imprescindibles sobre la temática fantasmal. Comedia, romance, terror, experimentación, acción, drama, fantasía… Un viaje hacia lo desconocido y hacia lo inexplicable. Un viaje hacia ese Más Allá atrapado en celuloide.
A lo
largo de su historia compartida, cine y política han mantenido una relación muy
estrecha, que va de la mutua necesidad al juego de espejos. El cine ha
documentado la evolución social y política de las distintas sociedades, pero
también ha sido utilizado como instrumento de propaganda ideológica. Al mismo
tiempo, la política se ha ido contagiando de la narrativa cinematográfica y ha
emulado a los héroes de la ficción. Conocer el cine político es entender la
diferencia entre denuncia y demagogia, entre posicionamiento y doctrina, y ver,
a través de géneros muy dispares, que la política está presente en toda
película de ayer y de hoy. En este libro se propone un recorrido por el cine y
la política a través de 50 títulos, algunos muy populares y otros urgidos de
una reivindicación, que ejemplifican su vínculo. Y los hay que son
fundamentalmente políticos aunque no parezcan pertenecer al género.
América
pronto se dio cuenta de su valor mítico. La historia transfiguró en leyenda y
los hechos se diluyeron en el relato. La conquista del territorio, el avance de
la civilización, los hombres y las mujeres de la frontera en expansión cuyos
nombres y hazañas, por lo común violentas, pasaron a constituir una verdad
contada. El wéstern, versión en movimiento de las dime novels, significó
la primera experiencia del cinematógrafo con el espacio abierto y se convirtió
en la maquinaria a través de la cual se transmitía el relato mítico de la
fundación. Género americano, el wéstern se fue oscureciendo en el reflejo tanto
de su tiempo presente como del histórico que recrea. La estilización dejó paso
a la introspección, la emoción de la aventura, a la melancolía de la pérdida.
El wéstern se convirtió en un modo, ético y estético, de estar y contar un
país. Un paseo por las estaciones del wéstern y una antología de 50 títulos
componen esta aproximación a un género que, en sí mismo, sintetiza lo
cinematográfico: el gesto y el movimiento.
El cine nació
cuando las ciudades comenzaron a transformarse en los complejos y problemáticos
lugares que habitamos hoy en día. Las poblaciones desde entonces fueron el
lugar donde se desarrollaron los argumentos de las películas, y llegaron a
tener en algunos casos un papel tan crucial como el de los protagonistas de
carne y hueso. En este libro se recorre desde el optimismo vivido en los años
veinte del siglo pasado, con la aparición de nuevas edificaciones como los
rascacielos, que transformaron las grandes ciudades, hasta las fascinantes
metrópolis actuales de países con economías en expansión, que al mismo tiempo
continúan sufriendo problemas de marginalidad y delincuencia. Las 50 películas
seleccionadas son primordiales para poder estudiar, y al mismo tiempo entender
y llegar a conocer, cómo ha sido esa evolución de la ciudad hasta la actualidad,
así como para constatar la influencia de la imagen en movimiento en esas
poblaciones.
«El libro era mucho mejor.» Una frase que se ha convertido en enseña a la
salida de muchas salas de cine y en definiciónde toda una corriente
cinematográfica.¿En qué nos basamos para afirmarque un libro es mejor que una
película? ¿Es válido comparar? El cine no solo ha necesitado de su hermana
mayor literaria desde sus inicios, sino que continúa expandiéndose con cada vez
más cantidad de adaptaciones de novelas, cuentos, mitos, obras teatrales,
textos periodísticos o tratados filosóficosmateriales de autor o anónimos.
Porque el cine, como cualquier arte, solo está alerta a la hora de encontrar
las fuentes de las buenas historias. En este recorrido de 50 títulos
cinematográficos,que abarca desde los comienzos del cine mudo hasta nuestra
época, los textos literarios son los protagonistas, pero también las
interpretaciones que han hecho sobre ellos distintos cineastas, guionistas,
equipos, estudios de producción, audiencias y lectores. Les invitamos a leer la
pantalla al igual que los libros: un portal a la imaginación y la diversidad,
donde cualquier cosa aguarda al abrir al azar sus páginas.
Asociado a la cultura juvenil surgida en Estados Unidos a raíz del boom económico posterior a la Segunda Guerra Mundial, el rock and roll se alió de inmediato con el cine. Se trataba de dos industrias basadas en el entretenimiento y enmarcadas en un contexto capitalista que estaban destinadas a entenderse. El cine contribuyó tanto a desactivar la inicial chispa rebelde del rock como a servirle de trampolín promocional, pero a lo largo de los sesenta años que dura su relación esa función propagandística inicial fue dando paso a una multiplicidad de miradas que trasciende géneros y categorizaciones.Sueños eléctricos reúne medio centenar de títulos esenciales para entender el estrecho vínculo entre cine y rock. Del salto a la pantalla de Elvis Presley a la revolución de The Beatles, del rockumental a la ópera rock, del sueño hippy de Woodstock a su abrupto finala lomos de los moteros de Easy Rider y del nihilismo punk a la fiesta sin fin de las raves.
El pasado como presente50 películas de género histórico.
Las películas son un testimonio de la sociedad de ayer y de hoy. Cuando evocan el pasado lo hacen desde el presente en el que fueron concebidas, del mismo modo en que los espectadores vivimos en presente las películas que vemos sobre el pasado. Además, cuando retratan el presente, al poco tiempo se transforman en pasado. Por tanto, una de las posibles maneras de entender el cine es verlo como un conjunto de documentos visuales que pueden transformar-se en testimonios históricos. Sin embargo, la diversidad es grande: las películas están producidas con intenciones muy diferentes y dirigidas a distintos sectores de público. Desde el noticiario informativo y la película documental hasta el film de pura ficción, las obras que se dan cita en este libro se han transformado en el espejo de una época, ya que evidencian cómo eran las personas que participaron en ellas y la sociedad en la que nacieron.
Podemos entender mucho mejor las tecnologías, el cine entre ellas, conectándolas con su contexto histórico y con sus condicionantes económicos, políticos, sociales y culturales. Así, muchas películas, y sin duda las películas sobre tecnología, son espacios privilegiados para imaginar y entender tanto esos contextos como los miedos, las incertidumbres y las esperanzas sociales en un lugar y un momento histórico determinados, en relación a nociones tan importantes como el progreso de la humanidad y los futuros posibles. Este libro recoge 50 películas clave que propician la reflexiónsobre la tecnología existente (del presente o del pasado), que proponen una visión sobre el futuro a través de la tecnología (conectando la anticipación con la proyección de las preocupaciones sociales del presente) o que centran su mirada en el cine como tecnología. En su conjunto, todas esas películas forman un mosaico de historias sobre una de las historias más humanas posibles.
Decía Godard que el cine no es un
arte que filme la vida, sino que está entre el arte y la vida, y ese puente
entre los dos juegos de reglas queda paradigmáticamente representado por un
género que, como el Anillo Único, puede gobernarlos a todos: el musical. Desde
el mismísimo origen del cine sonoro, los musicales han sido esenciales para el
séptimo arte. Han creado estrellas, levantado y hundido estudios, servido como
impulso artístico y como mero espectáculo, se han pasado de moda y han
resucitado. Pero, sobre todo, han dejado en sus espectadores un rastro de
canciones y bailes que perdura mucho más allá del tiempo que pasan en la sala
de proyección. Este libro incluye un repaso por la historia del cine musical
occidental, explora los mecanismos particulares del género y analiza 50
películas que pueden explicar su evolución a través de las décadas. Como exclamaba Roy Scheider entre el arte y Bob Fosse: It's showtime!
Este libro
propone una mirada al mundo de la ciencia desde el cinematógrafo y, al mismo
tiempo, un repaso por la historia de un arte con más de 120 años de existencia.
Historias sobre personalidades únicas que trabajaron para favorecer el progreso
de la humanidad, narraciones que buscan estimular el conocimiento del organismo
humano o de los mundos animal y vegetal, ejercicios especulativos fundamentados
en principios científicos que predicen qué futuro espera a nuestra especie...
El lector encontrará en este libro un repaso a producciones cuyo punto de
partida es la glosa de la obra de científicos cuyo trabajo ha producido
beneficios para la sociedad en general, junto a otras que han pretendido
colocar el mundo de la ciencia al frente de una realidad cinematográfica que
trata de conjugar la transmisión de conocimiento (científico) con el entretenimiento.
Que un
hombre muerda a un perro puede ser el detonante de una noticia… o de una
película. Cineastas e informadores comparten una misma pasión, la de describir
la realidad de modo más o menos subjetivo, armando una narrativa que le dé un
cierto sentido. Aunque no lo tenga. A su vez, los periodistas se han convertido
en personajes centrales de muchas ficciones, ya sean profesionales tenaces
enfrentados heroicamente a amenazadoras fuerzas corruptas
o granujas manipuladores capaces de todo con tal de satisfacer su obsesión por
la fama, la exclusiva y el titular. El cine ha contribuido a modelar el
estereotipo asociado a todos ellos, testigos necesarios que a menudo acaban
implicados hasta el fondo. Desde los galanes de traje y corbata, con su
identificación prendida en el ala del sombrero, hasta los blogueros que retozan
en ese nuevo campo sin puertas llamado internet, este libro repasa cincuenta de
las mejores películas sobre prensa escrita, radio y televisión; historias de
grandes logros, dilemas deontológicos y miserias cotidianas. ¡Que no paren las
rotativas!
Como el
cine nació en Europa (con permiso de Edison), no ha de resultar extraño que le
gustara evocar aquellas épocas que habían sido las fuentes de lo que conocemos
como civilización occidental: el Oriente mediterráneo por su vinculaciones
religiosas, Grecia por su arte y su literatura, Roma por su sentido de la
organización social y política, y Egipto por considerarse un «descubrimiento» de los
arqueólogos europeos. El primer personaje histórico que protagoniza una
película, en una fecha tan temprana como 1896, es el emperador Nerón, seguido
un poco después por Jesucristo. Este libro propone un recorrido por más de cien
años de cine sobre la antigüedad a través de 50 títulos, empezando en Italia en
1908 con la primera versión de Los
últimos días de Pompeya, y acabando en el Japón de 2012 con Thermæ Romæ, una curiosa fusión de manga y péplum.
La presencia pictórica en el cine no se agota en las
múltiples versiones
de El retrato de Dorian Gray o en las biografías
de artistas plásticos,
retratados para la gran pantalla a través de sus
obsesiones. El recurso
a la pintura ofrece un amplio abanico de posibilidades
que abarcan la
inspiración de la puesta en escena, la recreación de
conocidas obras
pictóricas, la construcción de un espacio simbólico a
partir de cuadros
concebidos expresamente para el celuloide, el perfilado
de personajes
a través de lo pictórico e, incluso, su empleo como
materia de sueños
y pesadillas. Su presencia es un recurso para reflexionar
sobre los
sistemas de representación visual mediante directores que
no han
podido escapar a su influjo.
Esto es tan solo una muestra, como si del tríptico de una
exposición
se tratase. Visiten la galería completa: 50 películas que
nos hacen ver
la pintura y el cine con otros ojos.
¿Qué
es lo real? Tradicionalmente, el documental se ha entendido como lo opuesto a
la ficción, como aquel género que documentaba la realidad. Sin embargo, a
poco que indaguemos en sus muchas ramificaciones, comprobaremos que lo real
se nos escurre de los dedos, que de hecho es inalcanzable. En su lugar,
tendremos que lidiar con la verdad que vive en la mirada de cada cineasta.
Este libro propone un viaje apasionante a través de 50 obras que revelan la
enorme complejidad del documental, sus formas mutantes y sus vericuetos
éticos. Un trayecto en el que caben hombres con cámaras, metrópolis incipientes,
esquimales cómplices de la ficción, fascismos y genocidas, leyendas del rock
y del ring, surferos y revolucionarios, grafiteros y espigadores. Toda una
aventura dispuesta a rasgar las paredes de lo real. A replantear, en cada
paso, nuestra mirada sobre el mundo y aprender a campar por la incertidumbre.
Recrear momentos de la historia es una de esas quimeras
hacia las que la gran pantalla nos sirve de puente, y uno de los momentos que
el cine ha visitado con mayor frecuencia ha sido la edad media, período
mítico por excelencia en el que se basa buena parte de las leyendas y los
referentes de nuestra sociedad actual. El medievo queda al mismo tiempo lo bastante lejos como
para poder crear mundos exóticos y arcanos que nos seduzcan, y lo bastante
cerca como para que nos podamos sentir identificados con él. Así, a través de
intermediarios, como la literatura, desde Shakespeare hasta Walter Scott, o
la pintura de historia del siglo XIX, el séptimo arte ha contribuido de forma
decisiva a crear nuestro cliché de la edad media. Un mundo de oscuridad,
misterio, magia y barbarie tan romántico que, aunque quizá nunca ha existido,
ha habido que inventarlo.
El País del Sol Naciente ha
ejercido un poder seductor sobre Occidente. Desde hace más de cuatrocientos
años, se han sucedido encuentros y desencuentros, pero siempre caracterizados
por un halo de fascinación, en ocasiones casi hipnótica. Sin embargo, muchas
veces esta fascinación ha propiciado la aparición de tópicos que han
dificultado el entendimiento de la cultura japonesa. Así, dentro del
imaginario colectivo, Japón ha quedado reducido a geishas, samuráis y pagodas. Pero Japón es mucho más. Es una
cultura compleja, que esconde mucho más de lo que se percibe a simple vista,
y que hay que saber mirar. La singularidad de Japón ha quedado reflejada a
través de las cincuenta películas que presentamos, que no son otra cosa más
que una selección de títulos que recomponen, muy sucintamente, la historia de
un país, de una cultura y de una cinematografía.
Este libro parte de la idea de que en el contexto
actual realidad y ciencia ficción son una misma cosa. Por un lado, la ciencia
ficción ha ido evolucionando de una forma dinámica, incorporando el pulso de
la realidad para (re)interpretarla mediante sus propios mitos, enriquecidos
no solo con la forma audiovisual sino con un abundante equipaje conceptual y
estético procedente de la literatura, la ilustración, el cómic e incluso la
divulgación científica. Por otro lado, los estilemas del género se han
incorporado definitivamente al imaginario popular, en los campos de la
publicidad, el videoclip o incluso el arte contemporáneo. Por todo ello,
conviene redifinir la propia evolución del género abandonando ya ciertas
convicciones canónicas que hoy resultan algo simplistas. Mediante el análisis
de 50 títulos esenciales del género, en este libro se dibuja un panorama
multidimensional, que muestra que la ciencia ficción —como el terror, la
fantasía o manifestaciones colaterales— ha sido capaz de reproducirse en
canales distantes pero comunicados haciendo posible la generación de un
macroconcepto, o macrogénero, como es el fantástico, que goza de una
excelente salud comercial y cultural.
La expresión Guerra
Fría, popularizada en 1947 por el periodista Walter Lippmann, alude al
prolongado conflicto que enfrentó a la Unión de Repúblicas Socialistas
Soviéticas y a Estados Unidos por la hegemonía mundial. Una pugna que se
libró en los frentes político, económico, científico, militar y cultural,
donde el cine desempeñó un gran papel. Las películas, de los más variados
géneros y estilos fueron el mejor medio de persuasión para inculcar al
espectador un orden simbólico que justificase la ideología de cada
superpotencia. Pero, también, desafiando a la censura, y gracias a sus
sofisticadas formas narrativas e iconográficas, el cine plasmó de manera
certera las tensiones sociales y políticas de toda una época,
proporcionándonos un documento histórico de primer orden protagonizado por
personajes tan diversos como Iósif Stalin, Ronald Reagan, Lev Kuleshov,
Sylvester Stallone, Nikita Jruschov, Billy Wilder, Grigoriy Chukhray, John
Wayne, Alfred Hitchcock, John Le Carré o Steven Spielberg.
El cine de la infancia es, en sí mismo, un macrogénero
por el que cineastas de todo el mundo han mirado hacia su pasado más añorado
con intención de recuperarlo. Y es que la infancia no es solo territorio de
los niños.
El recorrido fílmico de Paraísos perdidos enfoca
su interés tanto en los más pequeños y su mundo particular como en la
relación de los adultos con su propia niñez. La nostalgia por el paraíso
perdido contrasta con la incomprensión mutua entre el universo infantil y el adulto.
Así, el cine ha mostrado mil y una caras de los
infantes: víctimas o verdugos, a veces ambos; libres o en cautividad;
protegidos o protectores; presos de la realidad o refugiados en la fantasía;
espejo de las miserias de individuos y sociedades...
El presente libro propone un trayecto de lectura (de los muchos
posibles) del clasicismo cinematográfico, abordándolo como un modelo de
práctica cinematográfica singularizada en el que convergen un canon
estético-narrativo férreamente codificado y un preciso sistema de producción.
Nuestro corpus de estudio se centra en la producción cinematográfica
estadounidense entre 1930 y 1956, atravesando el período de mayor esplendor del
sistema de estudios y el surgimiento de las escrituras manieristas durante la década
de los cincuenta. Los autores elaboran una síntesis de la esencia del
clasicismo cinematográfico en su configuración formal, narrativa, ideológica e
industrial arquetípica a partir del análisis de una selección de cincuenta de
sus títulos más representativos, mediante sus principales directores, géneros y
enfoques ideológicos, al tiempo que se aspira a contrarrestar la extendida idea
de homogeneidad del universo del cine clásico.
La violencia, ese instinto animal arraigado en el hombre desde tiempos
remotos, se institucionaliza a través del Estado, poseedor de su monopolio bajo
el amparo de la ley, para impartirse desde motivaciones supuestamente
legítimas; entre otras, la de salvaguardar la paz social mediante esa represión
que trata de mantenernos alejados de la barbarie. Intrínseca a esa prerrogativa
del Estado está la facultad de obligar a sus ciudadanos a secundar esa
violencia, aportando su sufrimiento e incluso su propia vida y la de sus seres
queridos. El cine, reflejo de todas las facetas que engloba la existencia del
ser humano, nunca estuvo al margen de la representación de la guerra, ya sea
para apoyarla, para censurarla, para constituirse en mero testimonio histórico
o incluso para utilizarla como un espectáculo más con el que distraer a la
audiencia. La guerra es, por desgracia, ese elemento que siempre estuvo, está y
estará presente en el devenir del género humano.
El proceso creativo literario tiene
una gran parte de misterio. Cómo los escritores logran crear un universo
propio a través de un trabajo eminentemente solitario es algo que cuesta, a
veces, incluso verbalizar. Aunque el cine siempre ha sentido una gran
querencia por mostrar mecánicas inventivas, la literaria es una de las más complicadas
de llevar a la gran pantalla. Un mundo
aparte pretende reflejar cómo el arte cinematográfico ha sabido encontrar
distintos caminos para formular sugerentes preguntas sobre este tipo de creación.
La relación con los personajes ficticios, con los propios
lectores o la ruptura de las barreras
entre realidad y ficción, entre otras cuestiones, son temas protagonistas en
este tipo de propuestas. Novelistas, dramaturgos, guionistas, poetas,
personajes inventados, lectores, musas..., todos son piezas fundamentales en
la elaboración de un arte en el que la incógnita está siempre presente.
El cine de cárceles ha desarrollado un lenguaje propio,
casi como si de un género se tratase. Y lo ha hecho para presentarse ante la
audiencia con muy diferentes intenciones: desde denunciar un sistema penal
con serias imperfecciones a relatar historias de superación, pasando por
descubrir injusticias e implicarnos en trepidantes fugas. Pero ya sea con la
intención de emocionarnos, sobrecogernos o incluso hacernos reír, cada vez
que una cámara se ha colocado al otro lado de las rejas lo ha hecho para
recordarnos el valor de un bien no siempre del todo apreciado: nuestra propia
libertad.
La
segunda mitad del siglo xx en España estuvo caracterizada por una serie de
cambios que tuvieron su punto de inflexión con la muerte de Franco y el fin
de la dictadura, una sucesión de transiciones y transformaciones que, sin
duda, marcaron el devenir de la sociedad actual. El recorrido que se propone
con las cincuenta películas seleccionadas pretende mostrar cómo afectaron
todos estos cambios sociales, económicos, políticos, culturales y emocionales
a la población española; trabajos que hablan de la apertura de España al
exterior y la llegada de la modernidad, pero también de la salida de un
Régimen que durante cuarenta años había paralizado en muchos sentidos al
país.
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11. Canvis en aquesta política de privacitat
La present política de privacitat ha estat establerta amb data 11/07/2018. OBERTA es reserva el dret de modificar aquesta política de privacitat per adaptar-la a novetats legislatives o jurisprudencials.
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